L’Association Design Fribourg présente une exposition autour de trois illustratrices fribourgeoises: Fanny Dreyer, Vamille et Line Rime: les planches subtiles et poétiques de Fanny Dreyer, les aventures du personnage mi-homme mi-poisson issu du manga de Vamille et les petites figurines roses et musclées à l’apparence si fragile de Line Rime.

L'exposition Tuning In – Acoustique de l’émotion met en lien les archives sonores et l'action humanitaire: «Quelles voix conservons-nous, et pourquoi? Qui parle, qui a le droit d’être entendu? Quel est le rôle de la musique dans l’action humanitaire? Quels types de liens émotionnels peuvent être portés par la voix? Quels sont les relations entre l’acte d’entendre et l'acte d'être entendu? Comment entendre une voix qui ne produit pas de son?» redcrossmuseum.ch

60 ans d’imprimerie Uldry à Hinterkappelen (Berne), c’est 60 ans d’histoire nationale et internationale de l’art et de la culture, de l’impression et de l’affichage.

"Créée en 2015, Affichage public souhaite partager, avec le plus grand nombre, le graphisme suisse en tant que patrimoine culturel. Par le biais d’expositions et de rencontres, l’association permet de diffuser en Suisse romande la création graphique en tant qu’artisanat. L’affiche est pour cela un médium idéal. Les évènements de l’association « Affichage public » mettent en valeur une création graphique sans but promotionnel. Les affiches exposées illustrent la créativité visuelle et conceptuelle de graphistes provenant de différents cantons suisses."

L'édition 2024 de l'événement a eu pour thématique "Multitude". 

L'affiche est un support sur lequel vient se poser une multitude de regards. Du·de la designer au passant·e·x, chacun·e·x en aura sa propre lecture. C’est un lieu de croisement d’interprétations, d’expériences, d'opinions et des biais. Cette affiche tente de soutenir ces regards et d’y répondre. En acceptant que c’est par cette multiplicité qu’elle existe, elle encourage les lecteur·rice·x·s à ne pas baisser leur regard. Avec cette invitation à se positionner, nous souhaitons à la fois soutenir le courage et la persévérance du positionnement citoyen mais aussi illustrer celui du·de la designer. Son travail est de créer une unité dans cette multitude, de rassembler les regards et d’en comprendre leur direction. En jouant avec le meta du support de l’affiche, nous souhaitons également montrer que notre regard est lui aussi composé d’une multitude d’influences, conscientes ou non, qui peu à peu construisent notre pratique.

L’identité du Festival reprend l’outil du pochoir, bien connu de l’art urbain, qui permet de reproduire un élément de manière rapide et précise. Le pochoir, représenté sur les supports imprimés, se matérialise ensuite pour être utiliser pour la signalétique. 

L'exposition d'art contemporain Dialogues On Humanity est une réaction au sentiment d'impuissance face aux images de crises, de violence, de conflits armés et de catastrophe naturelle. La Direction du développement et de la coopération (DDC), Photo Elysée et le Comité international de la Croix-Rouge (CICR) ont développé un concept qui permet de prendre du recul sur les images qui nous entourent et de faire une pause, de réfléchir et de ressentir. L'idée est d'offrir un espace de discussion autour des principes humanitaires, et de partager ses opinions sur l’évolution du monde dans lequel nous vivons.

L'exposition itinérante s'empare ici des structures existantes des jardins du Musée international de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge. La cour intérieure du musée et les installations en bois, réalisées par les étudiants en architecture du Laboratoire Alice/EPFL, ont été habillées par les images des artistes et les textes d'introduction aux 4 grands chapitres de l'exposition. Un projet réalisé en collaboration avec Raphaèle Gygi.

Cette petite édition bilingue présente les artistes émergent·e·x·s qui se produisent dans les 3 festivals des arts de la scène: Fais comme chez toi à Sion, Qué toi à Neuchâtel et le Week-end Prolongé à Fribourg. 

L'édition se présente avec une face francophone et une germanophone. L'ellipse se répète au fil des pages et représente la zone géographique que couvre les festivals.

« Créé en 2020, Weekend Prolongé a mûri et se professionnalise d’année en année pour mieux accompagner les jeunes artistes qui façonneront l’avenir culturel fribourgeois. Désireux de répondre au mieux à leurs besoins, le festival s’efforce, dans la mesure de ses moyens, d’atténuer le sentiment de vide ressenti par chaque artiste à la fin de sa formation professionnelle. Pour affronter ensemble l’inconnu, apprendre des autres, partager les questions et les aspirations, Weekend Prolongé offre chaque année aux artistes d’une même génération un précieux temps de rencontre. » groupesauvage.ch

Faisant écho à l'identité de l'édition précédente, nous sommes parties du week-end prolongé comme thématique visuelle. Cette édition se réfère à un autre cliché suisse: celui du long week-end à la montagne. Les rideaux en dentelle du petit chalet s'intègre en décalage dans un chantier urbain en clin d'oeil au processus de travail.

Passage est un festival de musique électronique organisé chaque année par le collectif Point76. Pour sa troisième édition, le festival propose 36 heures de musique électronique avec des artistes émergent·e·s et des Djs renommé·e·s.

Le mouvement est au cœur de cette identité, il dicte la couleur, la forme et le rythme de chaque élément qui compose la trame de l'image. Grace à un outil développé sur mesure avec P5 (un outil de creative coding), chaque image ou vidéo est traduite par une grille de points qui dansent et s'entrechoquent, se croisent et se confondent. Chaque lettre de "Passage" est ainsi traversée et déformée par ce mouvement. 

90 projets portés par plus de 300 personnes ont fait vivre un quartier et une ville avec un principe commun et des perspectives critiques. C’est un livre hybride d’archivage, de médiation culturelle et un manifeste témoignant de l’énergie cruciale que la culture apporte à une société se préparant pour l’avenir. Il est rempli d’espoir dans un monde qui valorise trop souvent une société rentable plutôt que durable. 

L’édition au bilinguisme vivant propose une lecture linéaire ou aléatoire, rendue possible par l’invitation à scinder les pages au centre. Les contenus se mélangent, créent des rencontres et dessinent de nouveaux futurs. Le souhait d’accessibilité du livre, autant par son prix libre que par sa forme, a influencé les choix de matérialité et de méthode d’impression. 

«Histoire sans chute est une association pour la promotion de la circularité dans le domaine textile et de l’habillement, en mettant à l’honneur, entre autres, les circuits courts, les petites quantités de production, le partage des connaissances, des compétences et du matériel. L’association crée des lieux de rencontre autour de la matière textile et des programmes éducatifs pour sensibiliser à la surproduction de vêtements, mais aussi offre un consulting aux acteur·icexs locau·lexs, afin d’aider celleux-ci à réduire leurs déchets à la source.» Mikhail Rojkov, fondateur 

Le cycle du textile (collecte, décomposition, tri et réorganisation) a été transposé dans l'identité grâce à la typographie dessinée sur mesure pour le projet. 
La typographie est construite avec des modules aux formes identifiables qui évoquent alternativement une chute ou un patron de couture. Les modules s'accumulent, interagissent et se superposent pour créer l’identité graphique d'histoire sans chute.

«Weekend Prolongé est un festival destiné à l’émergence des arts de la scène fribourgeoise organisé par le collectif Groupe Sauvage. Il permet aux artistes débutant leur carrière de se rencontrer et de montrer leur travail au public et aux professionnel·le·s. Son but est de faciliter l’intégration des artistes dans le milieu professionnel du canton, tout en les sensibilisant aux enjeux de la création contemporaine.» groupesauvage.ch

Nous avons travaillé avec le nom du festival et imaginé un week-end prolongé cliché en Suisse: pas trop loin, pas trop chic, plutôt idéal pour passer du temps sur sa chaise de camping. Le symbole de l’assise parle aussi de celle du·de la spectateur·rice·x, mais ici ces chaises sont imaginaires, elles ont été générées avec Adobe AI. Elles ont été itérées, sélectionnées et modifiées en prenant en compte l’intention initiale de refléter, par le nombre de variantes, la diversité des artistes qui se produisent au festival. Les imperfections des images produites, les erreurs visuelles commises pas l’intelligence artificielle, sont rapidement devenues un jeu, une recherche et un reflet du travail en cours. 

Ce petit format présente les projets des 26 artiste·x·s émergent·e·x·s des arts de la scène qui se produiront soit dans l'un, soit dans les deux festivals : Fais comme chez toi à Sion et le Week-end Prolongé à Fribourg. 

Le traitement des images évoque la dilatation et la distorsion du temps, en parallèle de la notion de mouvement des artistes.

Dans le cadre d’un concours national, Enen a été sélectionné pour redessiner la nouvelle identité du Musée International de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge. Ce musée, unique en son genre, est à la fois un lieu de mémoire, de création et de débat. Ces trois lieux cohabitent, collaborent et s’influencent.

L’identité s’articule autour d’un système flexible et subtil, basé sur la diffusion de messages et d’images. Elle se veut accessible et inclusive, évolutive, visible et lisible. La dénomination du Musée revient en toutes lettres pour davantage de clarté et l’utilisation des majuscules redonne la même importance à toutes les lettres.
Un des grands défis a été le travail sur les emblèmes du Mouvement International de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge. Nous avons redessiné les emblèmes, en les distinguant des originels, en leur apportant une idée de mouvement et d’équilibre et en les unissant pour ne former qu’un seul signe.

Durant la crise sanitaire, en début 2020, Enen fonde l’Association In Situ afin de se mobiliser pour soutenir les entités culturelles. L'idée initiale est de créer un outil pour visibiliser la culture et sensibiliser le public à la situation actuelle. Les multiples rencontres et parties prenantes du projet l'ont fait évoluer pour prendre la forme qu'il a aujourd'hui. L’Association In Situ est composée de membres aux compétences variées, mais toutes liées de près ou de loin à la communication culturelle. Ensembles, iels ont développé, et continuent d’améliorer, la plateforme culturelle fribourgeoise qui est vouée à accueillir divers outils de diffusion culturelle. Au lancement de la plateforme en janvier 2023, elle prend la forme d’un agenda et d’un index des organismes culturels du canton. Enen est en charge de la gestion, coordination et direction artistique du projet.

L’identité visuelle s'est ancrée sur la volonté initiale de présenter les informations de la plateforme de manière spatiale pour une meilleure lisibilité. Le logotype rappelle les caractères script d’anciennes cartes. Les indicateurs de position sur la carte ont pris la forme de points aux multiples couleurs et aux contours flous avec un léger mouvement de pulsation. Ils expriment à la fois le rayonnement et le mouvement de la culture mais aussi la porosité des disciplines du domaine culturel. Ces cercles se retrouvent dans les déclinaisons, incarnant à la fois l'aspect géographique et le foisonnement de la culture, le tout dans un univers coloré.

Human.Kind. présente une approche alternative de la photographie de l'action humanitaire. L'exposition présente le travail de 30 des 3 000 photographes du monde entier qui ont été nominé·e·x·s pour le Prix Pictet depuis sa création en 2008. Leurs images illustrent les principaux aspects de l'action humanitaire d'une manière différente de ce que l'on peut voir dans les médias. De multiple points de vue singuliers se répondent ou se superposent, tous·x·tes avec un regard bienveillant. 

Mandatées pour réaliser les supports de communication papier de l'atelier d’architecture Phorm, nous avons proposé deux formats basés sur une expérimentation de techniques d’impression faisant référence à leur travail architectural.

Pour le premier travail, nous avons exploré la matière du calque avec une impression numérique de blanc couvrant afin de proposer un objet délicat et léger pour les vœux de fin d’année. 
Le second, un dépliant de présentation, a permis de mettre en avant leur travail de précision grâce à une impression et un pliage méticuleux sur un papier laissant apparaître le contenu du verso sur le pantone fluorescent. Les images brouillent les frontières entre l'imaginaire (la projection) et la réalité (le projet).

Le Musée international de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge présente une exposition personnelle de Petrit Halilaj. Celui-ci présente une installation immersive de découpages monumentaux de ses dessins d'enfant. Il les a reproduits en jouant avec leur échelle et en les suspendant dans l’espace. Né au Kosovo, il est encore enfant lors des guerres yougoslaves de 1991-2001. Ses dessins colorés représentent des paysages imaginaires et des scènes de conflits, ils ont été réalisés dans un camp de réfugié·e·x·s en Albanie durant la guerre. Accompagné d’un pédopsychiatre, il a été encouragé à utiliser le dessin pour l’aide à surmonter ses traumatismes. Il dessine à la fois ce qu’il a vu et ce dont il rêve. Ses images fortement marquées offrent un regard d'enfant sur les tragédies de la guerre avec une réflexion autour de la résilience. 

Ohlala est une structure de production, administration et diffusion pour les arts vivants.

L’identité présente un jeu typographique flexible et qui s’adapte à chacun des supports. Les lettres du logo s’animent et habitent l’espace comme le ferait le corps de l’acteur·rice·x lors de sa représentation, le ton de sa voix lors d’une interprétation ou la variété de ses mouvements sur scène. L’univers graphique évolue avec une large palette de couleurs et une utilisation de celles-ci de manière aléatoire.

L’Atelier — Maison des Projets est un espace citoyen d’exposition, de concertation et de discussion autour des projets d’urbanisme et d’aménagement du Grand-Saconnex.

Le projet s’inspire de l’esthétique graphique des projets d’urbanisme et de construction depuis leur planification jusqu’à leur réalisation. L’identité et l’habillage graphique de la façade sont organisés en plusieurs niveaux de lecture qui permettent tour à tour de comprendre le rôle de ce lieu. Un premier appel visuel, visible depuis le côté opposé de la route, joue et évolue au fil de l’utilisation des stores pour indiquer complètement ou partiellement le nom du lieu. Des lignes rouge-orangées traversent et rythment les vitrines, ainsi que les surfaces intérieures, pour rendre visible et inviter la·le passant·e·x à entrer. L’identité se positionne en touches visuelles simples et claires qui jouent avec les formes et la structure existante de l’espace.

Le mot «bleu» peut être détaché de sa valeur colorimétrique lorsqu’il est utilisé dans des expressions allemandes, françaises et anglaises. Nous avons interprété, à travers une série de drapeaux, des expressions en duo colorimétrique en excluant volontairement la couleur bleue, présente dans le nom du lieu. Parallèlement, une collection de cartes postales entrent en résonance avec les drapeaux et éclairent nos traductions colorimétriques des expressions.

Cultural package est un projet personnel présenté lors de l'exposition collective en plein air, «Weltformat/Format Mondial» organisée par la ville de Fribourg et l'Association Visarte Fribourg. Cette série d'affiches utilise le design fiction comme un moyen d'alléger le poids de la pression sociétale et politique sur les épaules des associations culturelles.

En soulignant la distance physique entre le lieu culturel et son public, nous avons abordé le thème de la reconquête dans cette période post-confinement. En nous projetant dans l'absurdité profonde d'un futur où le public demanderait un compte-rendu de chaque rencontre physique avec une entité culturelle, nous avons ouvert la question à travers le prisme de la communication en concevant une campagne de «package culturel» fictive promouvant les avantages physiques et moraux d'aller, par exemple, au théâtre le plus proche.

Ces deux affiches ont été réalisées pour des événements programmés à l'espace culturel Neubad à Lucerne. Dans un second temps, elle ont également fait partie de l’exposition «Postertown goes Postercity», présentée en 2023 à Berlin et à Lucerne, et organisée par le Neubad pour célébrer ses 10 ans d’existence. Cette exposition a été accompagnée par la publication «The Neubad Plakat—A Contemporary Design Phenomenon», publiée par Slanted. Celle-ci retrace les affiches du centre sur les dix dernières années.

La première affiche était destinée à la programmation de conférences sur la construction durable et la ville de demain qui ont lieu à Neubad. Elle a été réalisée avec Processing, environnement de programmation et de langage graphique, en utilisant la technique du «Circle packing». L’affiche exprime les potentielles nouvelles organisations architecturales des villes de demain.
La deuxième affiche a été conçue pour le concert de Livia Rita. Le visuel représente le monde unique et magique de l’artiste sans utiliser son portrait. L’image du visuel a été partiellement réalisée avec l’intelligence artificielle Dall-e.

La Fondation Plaza a pour objectif d’inventer un nouvel avenir pour la salle de cinéma du Plaza et pour le bâtiment Mont-Blanc Centre, conçus par l’architecte Marc J. Saugey. 
«Les travaux qui permettront au Plaza de renaître ont commencé et une bonne partie du bâtiment est enveloppée de palissades de chantier et autres filets protecteurs. Certaines interventions artistiques continuent d'être visibles, d'autres vont voir le jour.  De Captage du 27 septembre 2021, intervention signée par les deux graphistes d'Enen Studio, on voit encore une partie...» La Couleur des jours, pages 40-41, [47] été 2023 

L’intervention «Captage du 27 septembre 2021» est un arrêt sur image des masses en pleine transition dans ce lieu mythique qu’est le bâtiment du Plaza. Des forces qui se rencontrent, se frôlent, fusionnent ou repartent chacune de leur côté. Elles proposent un espace et un rythme aux citations de grands noms du cinéma, tout en jouant sur cette fine ligne qu’est la vitre pour nous montrer ce qui se passe à l’intérieur, dans le monde de la fiction. Le visuel joue avec la lumière, les contrastes et la matérialité du verre pour transposer nos reflets dans l’œuvre elle-même, dans l’espace intermédiaire du cinéma.

L’Operalab est une création collaborative entre la Manufacture, la HEAD et la Haute école de Musique de Lausanne. Cette résidence artistique accueille chaque année une dizaine d’ancien‧ne·x·s étudiant·e·x·s de ces trois écoles pour qu’iels y développent leurs capacités en collaborant avec d’autres domaines du monde de l’opéra.

Chaque année, une exposition est organisée dans les bâtiments de la HEAD-Genève rassemblant les projets de diplômes des filières Bachelor Architecture d’Intérieur, Communication Visuelle et Master Media Design. 

L’identité de cette édition de l'exposition des diplômes joue avec les couleurs et le mouvement pour exprimer l’évolution des étudiant·e·x·s et les possibilités qui s’offrent à elleux au terme de leurs études. La construction en une grille claire et en trois niveaux s'inspire des fenêtres du bâtiment icônique et de la distinction des trois filières présentées.

La signalétique du Cycle d’Orientation de Cugy s’est construite autour d’un élément caractéristique du bâtiment : les barrières des escaliers. À partir des proportions des barrières des escaliers du bâtiment, nous avons dessiné une typographie sur mesure en collaboration avec Arthur Schwarz.
L’application des éléments a été faite dans une matérialité qui lui permet de se fondre dans les matières du bâtiment et dans des applications qui confortent ses lignes et ses espaces. 

Les Bourses Déliées, une exposition annuelle organisée par le Fond Cantonal d'Art Contemporain, présentent chaque année les lauréat·e·x·s selectionné·e·x·s parmi les diplômé·e·x·s de la HEAD — Genève de l'année précédente. L'exposition se concentre d'année en année, successivement, sur l'art contemporain et sur le design.

La composition graphique des invitations joue avec la déformation du texte pour simuler une occupation de la 3e dimension du support de communication. La version animée des supports accentue encore cette sensation d’habitation totale de l’espace.

La première publication de la Swiss Comics Artists Association réunit 30 bédéistes de toute la Suisse. Elle rassemble les acteur·rice·x·s de la bande dessinée helvétique contemporaine en tête-à-tête. Elle souhaite aussi amener à apprécier un type de création qui n’a aujourd’hui quasi aucune reconnaissance nationale, dans un pays pourtant berceau du neuvième art. Cette publication a été accompagnée d’une exposition au festival Delémont’BD, du 11 juin au 11 juillet. Elle a également fait l’objet d’une table ronde lors du festival BDFIL 2021 (16-20 septembre 2021), ainsi qu’une exposition des originaux au festival Fumetto de Lucerne (2-10 avril 2022).

Les Bourses Déliées, une exposition annuelle organisée par le Fond Cantonal d'Art Contemporain, présentent chaque année les lauréat·e·x·s sélectionné·e·x·s parmi les diplômé·e·x·s de la HEAD — Genève de l'année précédente. L'exposition se concentre d'année en année, successivement, sur l'art contemporain et sur le design. La brochure rassemble les lauréats des Bourses Déliées 2020 du Fond Cantonal d’Art Contemporain pour les diplômées de la HEAD — Genève.

La conception de cette édition met les artistes au centre de la composition. Le choix typographique des noms des artistes s’apparente visuellement à une signature et ponctue la brochure en sortant régulièrement de la grille de mise en page. L’édition est construite de manière à ce qu’une partie de la production, non reliée, puisse servir à chaque artiste individuellement comme «carte de visite» lors de l’exposition.

Le Café de la Fonderie est un restaurant semi-gastronomique qui se situe dans une ancienne usine au plafond voûté. Il a été aménagé chaleureusement en préservant les particularités architecturales du lieu.

Les éléments graphiques du logo soulignent la voûte ainsi que les bandes de tissu suspendues au plafond. L'identité graphique transmet, elle, l'atmosphère accueillante, élégante et contemporaine grâce à des compositions simples et des couleurs calmes mais chaleureuses.

Le Kumo est un restaurant de ramen revisité. Il aspire a présenter des spécialités japonaises au public suisse. 

Les images présentes dans la vitrine de Kumo et déclinées sur les différents supports font référence aux textures de l’encre sur la toile. Le logo tire lui son inspiration des sceaux de la calligraphie japonaise apposés en signature et s'insère dans la grille des carreaux de l'espace. Il est également utilisé comme un tampon sur les différents supports de communication.